Reseña a "Killers of the Flower Moon" dirigida por Martin Scorsese con Leonardo DiCaprio, Robert DeNiro y Lily Gladstone.
La historia de Estados Unidos tiene muchos capítulos oscuros. Uno de ellos muestra al veterano director Martin Scorsese con “Killers of the Flower Moon”. El drama histórico sobre una serie de asesinatos contra una tribu indígena muestra claramente cómo la codicia y el racismo han moldeado la prosperidad de Estados Unidos. Una experiencia cinematográfica deprimente que nunca pierde el foco a pesar de la larga duración.
Al comienzo de “Killers of the Flower Moon” está el fin de una cultura. En sus tierras de Oklahoma, los Osage planean enterrar un objeto ritual mientras lamentan el amanecer de nuevos tiempos en los que los miembros de su comunidad aprenden un nuevo idioma y se disuelven lentamente en la cultura blanca. Pero esta disminución ocurre de manera diferente a lo esperado. Afuera, donde fue enterrada la tubería, la tierra tiembla. La luz comienza a parpadear y una fuente de aceite brota del suelo. Los Osage se hacen personas, lo que significa que su destino finalmente está sellado.
“El pueblo elegido”, anuncia un intertítulo que recuerda a una antigua película muda o a un programa semanal. Las personas con el ingreso per cápita más rico del mundo. Estamos en la década de 1920, y son las imágenes mudas en blanco y negro del cine las que el director Martin Scorsese utiliza para rastrear cómo la nación Osage se enriquece y los blancos se ponen a su servicio. Por ahora. Aparentemente. Scorsese también inserta posteriormente fotografías al estilo de retratos en blanco y negro, que son exploradas por la película rodada en color. El pasado no se reanima, “se le da vida”, sino que se lo ve y lo revisa de nuevo, lo someten a revisión. Se hojea como un libro ilustrado sobre la historia y la cultura de Osage que Leonardo DiCaprio abre en algún momento. No se escribe, sino que se lee, se estudia, se aprende.
Después de regresar a casa de la Primera Guerra Mundial, Ernest Burkhart, interpretado por DiCaprio, llega al país de los Osage, donde su tío William “King” Hale ( Robert De Niro ) es dueño de un rancho. Aprende el idioma y las costumbres del pueblo y se enamora de Mollie ( Lily Gladstone ), una mujer Osage, con quien se casa. Mollie entiende que Ernest es "guapo" pero no particularmente inteligente. Sigue ciegamente a su manipulador tío, quien se presenta como un amigo y proveedor de los Osage y quien inició la alianza entre él y Mollie en primer lugar. El plan del rey Hale es atraer el "dinero del petróleo" de los Osage a su familia mediante una inteligente política matrimonial y una serie de asesinatos.
En este contexto, Ernest desempeña un papel ambivalente. Ama a su esposa, pero también explota a su pueblo; los ataca, les roba y organiza asesinatos contra ellos. En algún momento, él mismo recurre a envenenar a Mollie, que sufre de diabetes, con inyecciones de insulina. Su rostro siempre permanece honesto. Como si ambas partes, el dinero y el amor, pudieran existir por igual, como si no fueran una contradicción. Como si no fuera del todo comprensible por qué esto debería ser un problema. O por qué eventualmente se convertirá en uno. La contradicción es obvia, como lo más natural del mundo. Tanto es así que nunca hace falta decir una palabra al respecto.
Estas contradicciones no son ajenas a las películas de Martin Scorsese. La energía de sus personajes solitarios, sus convicciones e ideas fijas, sus fantasías y su mesianismo encontraron en cierto momento una reacción que podría consistir en la forma cristiana de culpa (“ Silence ”), de duda (“ La última tentación de Cristo”), en la inaccesibilidad de los demás (“ Taxi Driver ”, “ Ranging Bull ”, “ Casino ”), en la locura (“ Aviator ”, “ Shutter Island ”). Scorsese entendió estas contradicciones a través de una dimensión cinematográfica. El cineasta italoamericano siempre ha sido el que más se ha interesado que nadie en la velocidad de una vida (en el ritmo, la música, el montaje, la intensa puesta en escena) y en cómo se ralentiza. Este es también el caso de la brillantemente trepidante “ El lobo de Wall Street ” (2013), que, al igual que Killers of the Flower Moon, era una gran fábula sobre el capitalismo estadounidense. Pero muchas cosas han cambiado en las décadas posteriores.
En primer lugar, “Killers” es una película tranquila y meditativa, similar a las otras películas de los últimos trabajos de Scorsese. Similar a “ Silencio ”, una película sobre sacerdotes católicos en el Japón del siglo XVII y una alegoría sobre la supervivencia de la fe en tiempos difíciles, o como “ El irlandés ”, una gran reflexión sobre el envejecimiento de los gánsteres que poblaron las películas anteriores de Scorsese. “Killers” es también una historia de gánsteres a su manera, una continuación de la crónica americana del siglo XX que recorre la obra de Scorsese. Aquí la gente también va a la iglesia. Los mafiosos ahora se han retirado de la turbulenta Nueva York en la costa este a las praderas vacías del oeste. Esto significa que la cultura americana del gangsterismo y el catolicismo de repente está menos presente que transparente . Brillan a través de la película como la luz de la iglesia donde Mollie reza, como los ojos de Robert De Niro a través de sus gafas, o como el fuego de los campos ardiendo a través de las persianas detrás de las cuales Ernest envenena a Mollie.
La película es como un filtro a través del cual la historia de Estados Unidos cae como una luz y se refracta. Como si Scorsese se despidiera de seguir escribiendo y filmando la historia del país. Sólo se puede filtrar, (re)ver, (re)leer.
Por encima de todo, Ernest es una figura pálida, especialmente en comparación con Belfort de El lobo de Wall Street y muchos de los otros personajes de Scorsese. A diferencia de antes, no hay ningún conflicto de conciencia abierto, ninguna batalla (cómica, pomposa) con uno mismo y sus propias creencias, ningún conflicto alardeado. Las contradicciones no se oponen enérgicamente, sino que se superponen abierta y tranquilamente. La explotación ocurre de la manera más natural, es tan opresivamente normal y fundamental que, junto con ella, incluso el amor por los explotados sigue siendo posible. Así, el individuo de las películas anteriores de Scorsese y su impulso se desvanecen. Ninguna fe, ningún mesianismo, ninguna convicción más profunda guía a los protagonistas masculinos, sino más bien su inmersión en el fondo (negro, gris, verde, color tierra) de la imagen, en el sentido de país y territorio, y en el sentido de una base histórica. Sobre esta base, el colonialismo de colonos blancos se completa bajo el capitalismo; En él, Ernest y Henry no son más que los ejecutores y perpetradores de un genocidio de larga data.
Frente a ellos está Mollie, uno de los primeros personajes femeninos seguros de sí mismos de Scorsese. En Taxi Driver, Raging Bull o Casino e incluso en El lobo de Wall Street, las mujeres de Scorsese eran figuras alejadas de la realidad, figuras etéreas del cine, superficies de proyección, objetos (inalcanzables) de deseo para los hombres. Lily Gladstone, por otro lado, es el centro mudo de la película. Al principio, ella y Ernest se sientan uno al lado del otro en la sala de estar. Afuera aúlla la tormenta y ella le dice que se calle y escuche el viento. Callar, no hablar demasiado, no filmar demasiado, contenerse: esa es la ética de esta película, que se caracteriza por el ritmo lento de Mollie, una sonámbula, diabética, somnolienta y siempre ligeramente sonriente, y por su deterioro físico.
Este ritmo no sólo tiene ventajas. A pesar de toda la defensa del arte del cine y de su historia, de la que Scorsese es más activo que casi nadie, la película, con su inflado presupuesto de 200 millones, a menudo parece una serie comprimida que podría haber funcionado mejor. como. La puesta en escena, a veces convencional , pretende acabar como contenido en el servicio de streaming de la productora, no ser una carga para ningún ojo que necesite distracción.
Pero tal vez haya una buena razón para ello. Con su nueva película, en la que reúne por primera vez a sus dos grandes estrellas, Robert De Niro y Leonardo DiCaprio, Scorsese se vuelve contra su propio cine. A medida que Nueva York se desplaza hacia Occidente, también nos trasladamos de los Estados Unidos a la Nación Osage. Killers of the Flower Moon es una película “después” del cine (de América y de Scorsese), en la que la imagen de una nación se disuelve en la imagen, en la tierra y bajo la mirada de los Osage. La cámara, que se aleja de la tierra en el último plano, abandona la tierra que nunca ha pertenecido a quienes en ella han contado sus historias, captando las danzas de quienes en ella no dejarán de ser explotados. Danza en forma de ojo.
