La Roma de Alfonso Cuarón es un poema épico que relata la batalla entre hombres y mujeres, ricos y pobres, 
poderosos y débiles. Tiene la misma visión cruel y distópica de las relaciones de género que una película anterior, Amour de Michael Haneke . Las guerras de género sirven en ambas películas como una metáfora de la inhumanidad del hombre hacia el hombre, a través de nuestra incapacidad para abrazar el amor, nuestra insensibilidad hacia los más débiles o más pobres que nosotros, nuestra falta de atención al impacto de los sistemas actuales en las generaciones futuras. Una parábola tan relevante hoy como lo es el México de los años setenta donde se ambienta la película.
El escenario se desarrolla en torno a dos mujeres: Sofía, una esposa adinerada y educada y madre de cuatro, y su doncella Cleo, una ayudante, imagen clara de los oprimidos, los silenciosos, los que no tienen voz. A lo largo de la película, esta última casi no tiene. Sabemos poco sobre cualquiera de las dos mujeres y conocemos mucho menos mientras la trama avanza. El director no se preocupa mucho por ellos como individuos. No es su historia lo que él quiere contar. Son símbolos Y el foco de su atención está en cómo son tratados por los hombres en sus vidas (no bien), la separación extrema de los roles de género y las consecuencias metafóricas para todos.
Todo lo que vemos del médico, marido de Sofía, Antonio, es su desaparición. La escena introductoria muestra a toda la familia corriendo para saludarlo y observándolo con adoración tratando de estacionar su imposible auto de gran tamaño en su camino demasiado estrecho. Su necesidad lo lleva a abandonar a Sofía y a sus hijos en su hermosa casa sin mirar hacia atrás, sin siquiera ser una mano financiera amortiguadora. Cuando regresa para limpiar sus cosas, toma las estanterías, pero deja los libros. Otro signo de su interés en el estatus sobre la sustancia. Su superficialidad se ve afectada en una escena posterior en la que parece consolar con valentía a Cleo, pero se ve atrapado de forma flagrante en apariencias halagadoras en lugar de un verdadero cuidado.
En una narrativa paralela, Cleo queda embarazada de su ingenua relación con Fermín, presentada como una encarnación de la violencia. Él hace un fascinante baile de artes marciales para ella completamente desnudo, exaltando el poder masculino juvenil, antes de lanzarse intencionalmente hacia donde ella se sienta, mirándolo tímidamente desde su cama. Él corre de ella tan pronto escucha la palabra "embarazada" deja sus tímidos labios. Cuando, meses más tarde, con su barriga empezando a pesar, ella va a suplicarte, él escupe un odio amenazador hacia ella y su bebé, jurando matarlos a ambos si alguna vez vuelven a aparecer en su horizonte. Su epíteto de partida, cargado de poder, recordandole que no es más que una "sirvienta". En su escena final, Cleo está comprando una cuna con su jefe, en medio de la masacre de estudiantes de Corpus Christi de 1971, cuando Fermín reaparece como una de las milicias del gobierno, cazando y disparando a los estudiantes. Las fuerzas de la muerte sobrepasan las fuerzas de la vida.
Esta parece ser la elección que Cuarón describe frente a las mujeres, entre la duplicidad cobarde y la violencia casi animal. En ambos casos, los hombres perciben a las mujeres como una nota al pie de página utilitaria, que se deja a un lado fácilmente, algo irrelevante para el relato principal de sus vidas. Su propia capacidad de amar, cuidar y tender se tiró al lado, dejándolos versiones arrugadas y feas de humanos.
Las películas dentro de Roma es una película basada en recuerdos, específicamente los recuerdos de su escritor y director, Alfonso Cuarón, incluso si la película no es su historia. En cambio, deja que la atención recaiga en Cleo ( Yalitza Aparicio ), un personaje inspirado en Libo Rodríguez, el ama de llaves y la niñera que viven en la familia Cuarón y que ayudó a criarlo. Pero Cuarón le brinda una sensación de detalle extraída de un profundo pozo de recuerdos de la infancia, desde el auto que no encaja en garaje hasta la programación “Beatles vs. Credence” de una estación de radio, a cómics, por supuesto. -. las películas.
Sin embargo, de forma incidental, la película distribuida por Netflix que ha inspirado el debate más apasionante sobre si debería verse en los cines o jugará igual de bien en casa contiene dos viajes memorables al cine, excursiones a los exuberantes palacios de películas y casas llenas de Cuarón. juventud. Y ambos presentan fragmentos de películas que se habrían reproducido en los años en que se desarrolla la película, 1970 y 1971.
La Grande Vadrouille (Francia, 1966)
Hay una excelente posibilidad de que nunca hayas oído hablar de la comedia de Gérard Oury de 1966, La Grande Vadrouille , especialmente si no eres francés. En Francia, sin embargo, es una institución, y actualmente se ubica como la quinta película más taquillera de todos los tiempos , anidada entre Blanca Nieves y los Siete Enanitos y Lo que el viento se llevó .
Oury era un actor judío convertido en director que había huido de Francia a Mónaco al estallar la Segunda Guerra Mundial. Comenzó su carrera como director a la edad de 40 años, pero encontró un éxito limitado en los dramas. Sin embargo, cuando cambió a la comedia, su suerte cambió. Su película de 1964, Le Corniaud, se convirtió en un gran éxito, gracias en parte al equipo de las estrellas Bourvil (un nombre, como Cher) y Louis de Funès. Eso preparó el escenario para La Grande Vadrouille , una película que reúne a los protagonistas de Le Corniaud y equilibra el tema potencialmente vanguardista con un espíritu generoso.
Bourvil interpreta a un torpe pintor de casas y De Funès interpreta a un presumido conductor: hombres de mundos diferentes que normalmente no tienen negocios entre sí. La Segunda Guerra Mundial, sin embargo, cambia eso cuando un trío de paracaidistas de la RAF británica aterriza accidentalmente en el París ocupado por los nazis. Con la ayuda de otros patriotas parisinos y, más tarde, una monja provincial, sus personajes trabajan para ayudar a los británicos a escapar a la Francia desocupada.
La Grande Vadrouille se presentó en los Estados Unidos unos años más tarde con el título No mires ahora ... ¡Nos están disparando! , pero nunca despertó mucho interés entre los aficionados al cine o la crítica, ni una venta fácil cuando se trata de comedias de otros países. Pero claramente impresionó a Cuarón, y no es difícil ver por qué. Muy al estilo de otras comedias de gran presupuesto de los años 60, presenta actuaciones vívidas y un montón de elementos cómicos memorables que enfrentan a los tipos buenos obvios contra los tipos malos que se burlan. Es divertido y seguro, el tipo de película en la que se puede evitar a los nazis con calabazas arrojadas desde la parte trasera de un camión, e incluso así nadie se hace daño.
Tanto La Grande Vadrouille como Roma son nostálgicas por los terribles momentos, incluso si solo Cuarón reconoce esa mezcla incómoda de emociones. La Francia de La Grande Vadrouille es hermosa y está llena de personajes que no dudan en arriesgar sus vidas para enfrentar a sus opresores nazis. Lanzada poco más de 20 años después del final de la Segunda Guerra Mundial, la película encontró una audiencia que aún recordaba las heridas de la guerra y trató de salvarlos con una comedia ligera. Los romaníes están llenos de afecto por los tiempos pasados, pero también reconocen gráficamente el terror de vivir en una era en la que la opresión del gobierno y el malestar político podrían llevar a la sangre en las calles.
O tal vez el papel de La Grande Vadrouille sea simplemente este: en Roma , vemos los últimos momentos de la película, una carrera loca por la frontera con planeadores y un pistolero nazi bizco. En la audiencia, una pareja hace sin prestarle atención a la película mientras Cleo le cuenta a su novio algo que tenía en mente. Arriba, la película cuenta una historia con final feliz. Debajo de la vida es más complicado.
La segunda película tiene una conexión mucho más directa con Cuarón y su obra, de la que se habla frecuentemente. "Vi la película de Gregory Peck Marooned una y otra vez cuando era un niño", dijo Cuarón a Wired en 2013, mientras hablaba de su nueva película, Gravity . La deuda es obvia: Gravity es la historia de dos astronautas que, gracias a un mal funcionamiento técnico, se encuentran atrapados en órbita y obligados a usar su ingenio para encontrar un camino de regreso a la Tierra, ya que la cruel física de los viajes espaciales amenaza sus vidas. Marooned es, bueno, más o menos eso también, al menos a grandes rasgos.
Lanzada en noviembre de 1969, un año después de Stanley Kubrick's 2001: A Space Odyssey y unos meses después del aterrizaje lunar, la película adapta una novela de 1964 de Martin Caidin, un escritor prolífico que también escribió la novela que inspiró The Six-Million Dollar Man. . John Sturges ( Los siete magníficos , estación de hielo, cebra)) dirige con ojo hacia los detalles de tuercas y tornillos la exploración espacial. Cuando un trío de astronautas fatigados (interpretado por Richard Crenna, James Franciscus, y un joven Gene Hackman) se ordenan de vuelta antes de una estadía de un mes en una estación espacial, se encuentran incapaces de volver a entrar en la atmósfera de la Tierra. Mientras tanto, la NASA, encabezada por un brusco Gregory Peck, se apresura a rescatarlos antes de que su suministro de aire se agote.
Marooned ganó un Premio de la Academia por sus efectos especiales, que siguen siendo bastante impresionantes. Pero no encontró mucha tracción en la taquilla, ni con la crítica. La evaluación de Howard Thompson para el New York Times , por ejemplo, elogia muchos elementos de la película, pero aún usa palabras como "antiséptico" y "profesional". Eso no es del todo injusto. La película espera que las audiencias queden tan cautivadas con las consolas de control de pitidos y los efectos de gravedad cero como en 2001 , pero la historia, por diseño, es mucho más prosaica. Funciona como un sólido drama de la era espacial. Pero también está lleno de las largas pausas y la acción de sacudidas que permitieron que sirviera de forraje para un episodio de Mystery Science Theatre 3000 , también.
Aún así, es fácil ver cómo podría llegar a la mente de un joven Cuarón, y cómo podría usarlo como materia prima para una película más rica y cinética años más tarde. También es fácil ver el papel que desempeña en Roma , un viaje a través del pasado que sugiere lo que se recuerda, ya sea un momento de pasión, una angustia o una película vista hace mucho tiempo, nunca muere realmente.
