La numeración de las artes sirvió para designarle cierta importancia a cada una, fue en el periodo helenístico en el cual se colocó a la poesía como una de las más significativas, pues se decía que de ella provenían todas las demás artes existentes. De esta manera se dividieron entre las artes liberales —que representaban el trabajo manual— y las artes mecánicas —las que implicaban lo manual, por lo tanto eran incompatibles con las primeras—.
Después del renacimiento, la figura del artista y su actividad tomaron más relevancia, por lo que las artes liberales se numeraron en siete: la arquitectura, la escultura, la pintura, la música, la danza, la poesía/literatura y el cine. Ésta última es la denominada Séptimo Arte, “la técnica y arte de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento”. Es así como la cinematografía es una de las artes más estudiadas y la que más adeptos posee, aquellos que se denominan cinéfilos.
Por ello, la siguiente lista de películas que te compartimos son para aquellos que quieren adentrarse de manera especializada a este arte, pues muchas de ellas fueron las precursoras de lo que hoy conocemos como cine.
1. “Citizen Kane” (1941) — Orson Welles
“Citzen Kane” se dio a conocer como una de las mejores películas de la historia del cine y fue ganadora de los premios Oscar en la categoría a “Mejor Guión Original”. Welles logró la producción de esta cinta gracias a su emisión radiofónica de “La Guerra de los Mundos”, por lo que Hollywood empezó a notar el impacto que tuvo en la sociedad y decidió darle el presupuesto para comenzar con la producción de “Citizen Kane”. Cuenta la historia de Charles Foster Kane, un personaje interpretado por el mismísimo Welles y basado en un magnate de la prensa y los medios estadounidenses, William Randolph Hearst; Walles pone en juego el uso de los flashbacks, innovación de la música y la fotografía.
2. “Rome, Open City” (1945) — Roberto Rosellini
En este filme, el director Rosellini nos muestra una Italia totalmente devastada en términos económicos y sociales, pues los trabajos eran muy limitados después de la Segunda Guerra Mundial. Él hizo uno de las mejores películas del neorrealismo italiano, presentó a la verdadera Italia sin usar elementos agradables, sino una cruda realidad. La música enmarca las escenas más importantes de acción y los ángulos crean un ambiente de tristeza; al final de la película se presenta una de las escenas más esperanzadoras: los niños de Roma caminan hacia el horizonte, la cual refleja que ellos son el futuro.
3. “Double Indemnity” (1944) — Billy Wilder
El agente de una compañía de seguros y una clienta traman asesinar al marido de ésta para poder quedarse con su fortuna; sin embargo, todo esto se complica en una serie de incidentes. Uno de los clásicos del cine negro que contiene sus principales características: crimen, misterio y drama. Algo muy interesante dentro de esta cinta es la actuación del personaje Phyllis Dietrichson como una “femme fatale”, quien se presenta como una mujer completamente independiente, fuerte, seductora, manipuladora y despiadada. El uso de cigarrillos y sombreros son un elemento importante dentro del filme, ya que nos denota misterio y suspenso. En especial cuando Walter enciende el cigarrillo a Barton, pero al final de la película se muestra lo contrario. Wilder toma una buena iniciativa y deja atrás los estudios para sumergirse dentro la ciudad de Los Ángeles, exhibe sus calles, la estación del tren y el supermercado para obtener un ambiente más realista.
4. “Rashomon” (1950) — Akira Kurosawa
Akira nos presenta un Japón en la posguerra, se destaca por tener la predominación de flashbacks, diálogos pobres, pelea entre samuráis y la música lo es todo en este filme, ya que definen cada una de las escenas. Kurosawa juega con el espacio y tiempo, cada uno de los personajes cuenta el crimen de un samurái desde su punto de vista, de esto surge el término “efecto rashomon”, que es producido por la subjetividad y la percepción de contar una misma historia.
5. “Rebel without a Cause” (1955) — Nicholas Ray
Una película producida por Warner Bros, en la que James Dean encarna al protagonista: Jim Stark. Al principio la cinta sería completamente en blanco y negro, pero debido a la muerte y a la nominación de los premios Oscar decidieron trasmitirla a color. Nos muestra la vida de un adolescente confuso y desorientado que siempre se involucra en peleas escolares, por lo que deben mudarse de ciudad de manera constante. Cuando llega a Los Ángeles conoce a dos personas que cambiarán su vida por completo: Judy y Platón. La “chaqueta roja” se volverá un símbolo en esta película de principio a fin, dejando un mensaje que debes descubrir cuando la veas.
6. “L’avventura” (1960) — Michelangelo Antonioni
Una película en blanco y negro en la que una mujer desaparece en el Mediterráneo durante un paseo en bote. En el proceso de búsqueda, su pareja y su mejor amiga se comienzan a enamorar. En ocasiones parece que a los personajes no les preocupa nada de lo que está pasando, el trabajo de la cámara refleja este desinterés, particularmente en las escenas de la isla, donde los personajes buscan a su amiga. La cámara, la mayoría del tiempo, se muestra más interesada en el escenario que en los protagonistas y captura paisajes hermosos que son interrumpidos por éstos. Antonioni, utiliza mucho las ventanas, las puertas y pasillos para enmarcar a los actores y otorgarle al espectador un atmósfera más real.
7. “Breathless” (1955) — Jean-Luc Godard
Una película francesa de la Nouvelle Vague en blanco y negro, en la que el guión es creado por Godard junto la participación de Truffaut. Cuenta la historia de Michel, quien se especializa en robar autos y seducir mujeres: una vez que logra robar uno, huye a París con la intención de cobrar un dinero, pero en el camino mata a un policía; mientras está en París se encuentra con su amiga norteamericana Patricia. “Breathless” está hecha de “jump cuts”, un término usado para crear un montaje que supone un salto visible en la continuidad de la acción, se dice que esto se debe a la falta de presupuesto para la película, por lo que algunas escenas lucen cortadas a causa del efecto. Por otro lado, en la historia Michel siempre trata de imitar a uno de lo famosos actores estadounidenses: Humphrey Bogart, quien es mejor conocido por tener un cigarrillo entre sus dedos, tal como él.
8. “Ali: Fear Eats the Soul” (1974) — Rainer Werner Fassbinder
Un filme del nuevo cine alemán. Emmi, una viuda de aproximadamente 60 años, conoce a Ali, un marroquí de unos 30 años, en un bar-café donde acuden sólo inmigrantes; Alí invita a Emmi a bailar, conversan, la acompaña a su casa y al día siguiente se queda a vivir con ella. Esta relación provoca un gran escándalo en el vecindario, por lo que se enfrentarán a una serie de malos eventos. Incluso, el director Fassbinder ocupa un papel dentro de la película, como el esposo de la hija de Emmi. El director juega con el uso de los espejos en diferentes escenas, a manera de incitar a los personajes a que busquen su identidad y expresen sus sentimientos; asimismo, utiliza el uso de los marcos de las puertas para hacer creer al espectador que los personajes están atrapados y así enfatizar la soledad de cada uno.
Fuente: Cultura Colectiva
