Festival de Cine de Cannes Festivales

Lo mejor de Cannes 2017

Ruben Peralta Rigaud

Si hay un leit-motiv que ha caracterizado la línea de programación de esta lustrosa 70 edición del Festival de Cannes esa es la falta de amor en las esferas más altas y acomodadas o mejor dicho, la clínica falta de su profeso, así como sus asoladoras causas y devastadores efectos. Desde diferentes enfoques y discursos, el “Happy End” de Michael Haneke, el “Loveless” de Andrei Zvyagintsev, “A Gentle Creature” de Sergei Loznitsa, el “Before we vanish” de Kiyoshi Kurosawa o incluso la ganadora de la Palma de Oro, “The Square” de Ruben Östlund, entran en esta terna de lleno. Un póquer de lujo al que también podríamos sumar otra de nuestras grandes favoritas, como es el caso de “The Killing of a Sacred Deer” de Yorgos Lanthimos. Obras mayores, títulos capitales que sin embargo, ceden su destacado liderato a nuestras dos niñas bonitas de este año, y estas no son otras que “The Florida Project” de Sean Baker y “You were never really here” de Lynne Ramsay. Asimismo, únicas en su especie.

1. THE FLORIDA PROJECT

Quincena de Realizadores

Un marginal y subvertido cuento de hadas que traslada una inaudita belleza partiendo desde lo sórdido y mísero, pero también desde ese sentido de la libertad para ser dueños de nuestro propio destino. Sean Baker regala a su trío protagonista, un precoz grupo de amigos de tan solo seis años de edad que viven en un motelucho del tres al cuarto, la posibilidad de vivir y experimentar su particularísimo Disneyworld. Y es que el amor que “The Florida Project” profesa hacia sus personajes es prácticamente tan apasionante y cautivador como la portentosa propuesta estética sobre la que se enmarca, donde el habitual director de fotografía de Carlos Reygadas, Alexis Zabe, eleva el empleo de los 35 mm a cotas insospechadas partiendo de un tratamiento saturado del color en el que reina el morado, así como construyendo imágenes de un poderío visual inaudito, cuyo trabajo de la luz y la textura es definitivamente único. Su lugar era sin duda la Sección Oficial y no la Quincena de Realizadores. Y es que directamente, lo nuevo de Sean Baker se lleva la Palma. O al menos debería.

2. YOU WERE NEVER REALLY HERE

Mejor Actor y Mejor Guión

“You were never really here” es una película psicótica en todos los sentidos, sin duda alguna la propuesta más salvajemente violenta que hemos podido disfrutar en esta 70 edición del Festival de Cannes y sin embargo, la violencia permanece en (casi) todo momento fuera de campo. Lynne Ramsay se sube al carro del last action hero, de películas protagonizadas por martirizados hitmans que se embarcan en una espiral de sangre y venganza. Aquí hay mucho de “Taxi Driver”, también de “León (el profesional)” o incluso agudos guiños a “Psicosis” y “Hardcore”. Un tour de force directorial tan abrupto como definitivamente único, cuya capacidad para narrar a través de cortes, sonidos e imágenes rasgadas es descomunal


3. THE KILLING OF A SACRED DEER

Mejor Guión

Una película de venganza que bien podría resultar coreana y que está rodada como si de Kubrick se tratara. Una obra técnicamente hablando, prodigiosa, que presenta un diseño de producción tan exquisito como esplendoroso y que desde la más perniciosa contención, se sumerge en una retorcida historia de venganza que bien podría resultar coreana. Siguiendo los pasos del Park Chan-wook de “La Doncella” o incluso “Old Boy”, otro director que al igual que el responsable de “Langosta”, no va precisamente justo de excentricidades, “The Killing Of A Sacred Deer” se revela en un thriller provocativo y mezquino, una obra mayor que directamente coquetea con el género del terror y que al igual que mandan los cánones del cine que distingue a Yorgos Lanthimos, extrapola su carácter doméstico al servicio de una incisiva crítica social que en este caso, tiene la lucha de clases como soterrado telón de fondo. Ding, dong.


4. THE SQUARE

Palma de Oro Mejor Película

Conocido por su incisiva y humorística mirada acerca del comportamiento social de los seres humanos, así como por esa genuina capacidad que tiene para hurgar el dedo en la llaga de nuestra supuesta sociedad del bienestar y los valores (o más bien dicho, la falta de ellos) sobre las que se sustenta, el sueco Ruben Östlund ha tenido la inspirada ocurrencia de utilizar la escena artística internacional como trasfondo contemporáneo para su nueva y ambiciosa película. Y lo ha hecho con la intención de “echar luz sobre la brecha de confianza que está abriéndose, lenta pero segura, entre nosotros, ahora que la sociedad es cada vez más individualista y los ideales elevados”. Es decir, lo que “The Square” básicamente nos destapa son las motivaciones que hoy día lleva a gran parte de la sociedad occidental a solidarizarse con acciones de altruismo hacia los más necesitados. En efecto, hablamos de autocomplacencia.  La hipocresía de nuestros valores y la ambigüedad moral que propulsa nuestros ideales encarnados en el patetismo existencial que acucia al director de un museo de arte contemporáneo. Y es rodeado de este contexto que el director de “Fuerza Mayor” hilvana un drama satírico inclasificablemente cómico que refleja la gran necesidad de egocentrismo por el que en muchos de los casos, viene motivado el (supuesto) coraje moral con el que nuestra (supuesta) sociedad del bienestar afronta los conflictos que sacuden nuestro mundo de hoy, cada vez más absurdo e incierto. “The Square” se eleva sobre su caústico cinismo, su agudo y mordaz tono cómico, sus surrealistas y desconcertantes acciones (que están abiertas a múltiples interpretaciones y muchas de ellas resultan inolvidables) así como sobre su calculado manejo del lenguaje y de la cámara. En resumidas cuentas, una comedia que nos saca de nuestra zona de confort, que sorprende tanto como divierte, que instiga y provoca tanto como descoloca y que será, de largo, una de las películas capitales por las que, más allá de la Palma de Oro, recordaremos está 70 edición del Festival de Cannes. Da que pensar, dará que hablar. Menudo cuadro.


5. A FÁBRICA DE NADA

Premio FIPRESCI Quincena de Realizadores

Es probablemente la película más necesaria e importante de cuantas han pasado por esta 70 edición del Festival de Cannes. Protagonizada por actores no profesionales, “A Fábrica de Nada” explora, sin dar lugar a idealismos vacuos o condescendientes, las posibilidades que abre la autogestión por parte de los trabajadores para sacar adelante una fábrica y en definitiva, la industria capitalista. Con un metraje de 3 horas, rodada enteramente en 16 mm, a camino entre el drama social, la comedia musical y el discruso meta-cinematográfico, la extraordinaria película de Pedro Pinho no viene a vendernos que hay posibilidad de romper el capitalismo, sino más bien, como podríamos (re)adaptarnos a él. Y es que el monstruo está crreado. Una obra entrañable, profunda y compleja donde las haya, que refleja la crisis que económica y humana que actualmente pesa Europa, tan notable a nivel formal como conceptual que además, está destinada a ser disfrutada con sonrisa permanente.


6. GOOD TIME

Sección Oficial

Ha sido encumbrada por muchos como el nuevo “Drive”, más por el inesperado impacto que unos directores norteamericanos medianamente conocidos han tenido con una película de género en plena Sección Oficial de Cannes que por su explícito parecido. En mi caso directamente me lleva al debut de Michael Mann, “Ladrón”, también a una “Tarde de Perros” de Al Pacino. “Good Time” es una adrenalítica heist-movie intrínsecamente indie, un viaje alucinado y lisérgico, apasionado homenaje al cine norteamericano de los 70 que directamente se embarca en una imprevisible odisea nocturna y urbana propulsada por un entrañable amor fraternal. Precisamente, el que lleva a Robert Pattinson a buscar bajo cualquier medio una importante suma de dinero con la que pagar la fianza que pueda liberar a su hermano de la cárcel, tras haber sido éste arrestado consecuencia de un robo fallido. Aventuras nocturnas en la gran ciudad. El espíritu de “Jo, que noche” y “Malas Calles” como irrefrenable apogeo. Los bajos fondos de Nueva York a corazón abierto, la figura del loser homenajeada desde el amor más incondicional y una abrumadora factura formal que trabaja de forma inaudita el digital. Nadie en la actualidad lo hace como ellos. Normal que la siguiente película de Josh y Benny Safdie nos llegue producida por todo un Martin Scorsese. El legado de sus “Malas Calles” está en inmejorables manos. New York, New York al son de dos fenómenos.


7. UN BEAU SOLEIL INTERIEUR

Premio SACD Quincena de Realizadores

La gran comedia teórica del amor o mejor dicho, la gran comedia teórica de su búsqueda bien entrados los 50 años. Es decir, un sálvese quien pueda en toda regla teniendo en cuenta cómo está ese ‘mercado’ y que la inmensa mayoría de los candidatos que lo conforman, para que nos entendamos, están ya de ‘vuelta’. Bajo esta atractiva premisa, Claire Denis incurre en el verborréico terreno de Roland Barthes, cuya Fragmentos de un discurso amoroso estaba enteramente dedicada a revelar la estupidez que atañe al glosario amoroso. Un punto de partida que, tratándose de la responsable de “Nenette et Boni”, resulta especialmente estimulante, ya que la fisicidad por la que se rige su personalísimo cine es, en este caso, permutado por la palabra. Algo que a modo de excepción quizás ya sucedía en sus “35 Rhums” pero que, para nada, es lo habitual a lo largo de su imperdible filmografía.  Sin embargo, cierto es también que la visceralidad por la que siempre se ha caracterizado su obra sigue estando aquí omnipresente, a pesar de que su percepción en el espectador se dé desde el vocablo y no desde el ángulo corpóreo. Más que nada porque donde esta pulsión reside es en el confuso corazón de una mujer que rondando los 50 busca desesperadamente el amor. Una búsqueda hilarante donde las haya en la que los hombres van y vienen (uno hasta pierde la cuenta), en la que interminables conversaciones se embrollan en la indecisión y estupidez más absoluta hasta el punto de resultar imprevisiblemente desternillantes. Adultos sí, pero ante todo memos. La disfuncionalidad del sentimiento, el anhelo del afecto, llevado hasta su más ridículo extremo. Y todo este embrollo conducido con la mejor interpretación que, sin duda alguna, nos ha brindado Juliette Binoche en los últimos tiempos. Impagable.

8. WONDERSTRUCK

Sección Oficial

La literatura siempre ha sido una de las mayores fuentes de inspiración del cine, muchas veces respondiendo a la ambición de llevar obras ya de por sí magnificentes a un nivel todavía superior. El riesgo de este tipo de apuestas es evidente, y muchas producciones se han estrellado en intentos casi impensables, mientras tantas otras has salido victoriosas y reconocidas. Entre éstas últimas, que tan solo llegan a ser unas pocas elegidas, están las que logran el éxito siendo completamente fieles a la obra, tanto en lo referente a estructura narrativa como artística. Pero también hay una segunda terna, y son aquellas adaptaciones que el material literario en el que se sustentan, sirve ante todo de mera inspiración para dotar al relato de una dimensión cinematográfica innovadora y novedosa. Pues bien, en el caso de Todd Haynes y su excepcional “Wonderstruck” podríamos englobarla dentro del primer grupo tanto como del segundo. Y es que, el director de “Lejos del Cielo” es absolutamente fiel a la obra de Brian Selznick, tanto a nivel formal como narrativo, con la pequeña gran diferencia que decide emplearla como vehículo para brindar un sentido homenaje al cine mudo. La música se antepone a la palabra, la imagen al texto (algo que ya sucede en la novela homónima de Selznick) para relatarnos un melodrama de corte eminentemente clásico y académico, aunque no por ello deje de ser absolutamente distinguido y exquisito. Es lo que provoca que “Wonderstruck” sea una genialidad, un sublime trabajo de orfebrería cinemática que resulta profundamente emocionante y conmovedora. Una obra destinada a ser disfrutada por todos los públicos que, no por ello, deja de ser intrínsecamente autoral a todos los niveles. He aquí una primera candidata a brillar con luz propia en los próximos Oscar. Deliciosa.

9. LOVELESS

Premio del Jurado

Una valor seguro, un premio seguro. Como ya manda la tradición, Andrei Zvygintsev vuelve hacer gala del poderío que atesora a la hora de narrar y traducir en imágenes de gran significado simbólico (y artístico) la descarnada visión, prácticamente apocalíptica, que tiene sobre una Rusia deshumanizada y sin alma. Y como era de esperar, lo hace partiendo de la esfera íntima para abrazar un discurso social y colectivo que apunta con ojo certero a un mismo objetivo: Rusia. Y es que tal y como su título bien indica, aquí no hay amor que valga. Básicamente porque nadie lo siente, ni tan siquiera los padres hacia su hijo. O quizás sea que el sentimiento lo contienen soterrado pero no saben expresarlo porque la sociedad sobre la que sus vidas se rigen se lo ha infundado. Más que nada porque son víctimas de un país cuyas máximas son el deseo exclusivamente carnal o la belleza superficial. También la riqueza y por descontado, el embelesamiento más insustancial. “Loveless” es Rusia sobre el terreno hanekiano de “71 fragmentos de una cronología al azar” y “El séptimo continente” con significativos ecos que bien distingue el cine de todo un Cristian Mungiu. Obra capital te atrapa desde el primer minuto para dejarte finalmente sin respiro. Lo que vendría a ser sufrir de lo lindo, pero en el mejor de los sentidos.


10. WESTERN

Un Certain Regard

Su título bien lo sugiere. La tercera película de Valeska Grisebach está claramente inspirada en el cine western. Tanto desde la profunda ruralidad de la que se envuelve, como desde la construcción de un personaje principal parco en palabras, melancólico y solitario. Es decir, desde un protagonista construido a partir de los principales retazos que distinguen el típico antihéroe del oeste americano. Aunque en este caso su contextualización europea nos lleve a una remota aldea búlgara fronteriza con Grecia, allá donde la barrera del lenguaje y las diferencias culturales entre los lugareños y los trabajadores germanos se convierten en fuente de confrontación y desconfianza. También donde el sentimiento de superioridad y el desprecio hacen acto de presencia. Si por algo se distingue el cine de Valeska Grisebach es por la masculinidad que supura su cine (más aún teniendo en cuenta que es una mujer quien está tras la cámara, algo no muy habitual que se diga). También por el particularísimo trabajo del tratamiento. Tanto su anterior “Sehnschut” como su actual “Western” bien podríamos calificarlas como ficciones observacionales. Es decir, lejos de dirigir los pasos de los actores, son ellos quienes dirigen el movimiento y posicionamiento de una cámara de enfoque intrínsecamente naturalista y un trabajo de cámara atmósferico que  saca el máximo partido a la luz natural. Y es que uno tiene la sensación de que se da un gran espacio a la improvisación. Una lección de cine pero también de valores que debería tener muy presente nuestra idealizada Europa, o más bien dicho los países ‘teóricamente’ superiores que verdaderamente la rigen. Que tomen nota. Obra redonda.


11. THERAN TABOO

Semana de la Crítica

Lo nunca visto en una producción iraní. De hecho, sigue sin verse, y es que por más que estemos ante una obra que nos habla de Irán, Austria es su nacionalidad. Es la hábil estrategia que ha permitido al cineasta germano-iraní Ali Soozandeh para sortear la censura y destapar todos aquellos supuestos tabús que su originario país prohíbe mostrar y escenificar. “Tehrán Taboo” se nos presenta como un retrato caleidoscópico de la lucha que llevan a cabo tres mujeres por salir adelante en un país marcado por el fundamentalismo y la opresión. Tres mujeres atrapadas por una sociedad cuyo autocratismo no solo atenta directamente contra sus derechos primordiales, sino que neutraliza toda posibilidad de proyectarse y emanciparse como seres humanos, más allá de su condición de mujeres. Bajo esta loable premisa y tal y como su título bien indica, “Tehran Taboo” nos muestra y cuenta todo aquello que una película iraní no debería. Hay desnudos, también felaciones y ante todo, un vocablo tan viperino como descarado tratándose del contexto sobre el que levita. Pero más allá de su osado y heroico carácter de denuncia, estamos ante un obra formalmente portentosa que de forma asombrosa combina algunos de los dispositivos estilísticos más innovadores de la animación y las novelas gráficas. También ante una compleja estructura de guión que sin embargo, no presenta arista alguna, que no contento con sorprender a base de giros tan sorpresivos como excepcionalmente construidos, atesora una capacidad innata para cruzar y unir los destinos de sus personajes desde una irreprochable verosimilitud. Es tanto el “Sin City” persa, así como la versión animada de “Tales”. Joya.


12. THE BEGUILED

Mejor Directora

Visto su punto de partida todo hacía indicar que “The Beguiled” estaría a camino entre “Maria Antonieta” y “Las vírgenes suicidas”. Y así es, aunque a sus referentes añadimos “Misery”“Barry Lyndon” y “L’Apollonide”. Ahí es nada. Sofia Coppola recupera el pulso tras la irregular “The Bling Ring”, y lo hace con una obra exuberante y refinada que le devuelve a una de las máximas por las que se distingue su cine. Y ésta no es otra que partir de una narración suspendida en el confinamiento de sus personajes protagonistas, ya sea en su propio hogar (“Las vírgenes suicidas”), en un hotel (como es el caso de “Lost in Translation” y “Somewhere”), en un palacio (“Maria Antonieta”) o como sucede en “The Beguiled”, en un internado de jóvenes damas en plena guerra civil americana (una característica clave que sin embargo, en su anterior “The Bling Ring” fue subvertida). Quizá sea éste el motivo principal que nos lleva a la mejor versión posible de Sofia Coppola. O quizás sea su novedosa colaboración con Philippe Le Sourd, cuya atmosférico trabajo de fotografía propulsado por la luz natural sobre la que se enmarca, dota a la película de un poderío estético y visual descomunal. O lo que es más probable aún, quizás se deba a la conjunción de ambos condicionantes. Factores conceptuales que unidos a su fidelidad narrativa respecto la novela que adapta, componen una obra que resulta ante todo un goce.  Aunque lo genial de este punto de partida es que a pesar de que pueda parecer lo contrario, es precisamente el macho alfa quien está a merced del harén que lo rodea y no al revés, desembocando así en un retrato lleno de contrastes, tan sutilmente gótico como definitivamente retorcido e incluso inspiradamente cómico que ante todo, castra y demuele el patriarcado. Como la seda, vamos.


13. VISAGES, VILLAGES

Sección Oficial Fuera de Competición

Es, por derecho propio, la película más entrañable y sincera de cuantas hemos disfrutado este año en Cannes. Fruto de la colaboración entre la veterana directora Agnès Varda y el artista gráfico urbano y fotógrafo JR, un joven francés conocido por sus impactantes obras visuales que consisten en enormes intervenciones gráficas en calles y tejados de diversas ciudades de todo el mundo, “Visages, Villages” se embarca en una road movie rural que no tiene otro objetivo que homenajear al héroe anónimo, al trabajador más loable pero también remoto. Un homenaje propulsado por una conexión y complicidad que más allá de la gran distancia intergeneracional, se fusiona merced de la pasión y el cuestionamiento que ambos creadores profesan a las imágenes así como hacia el dispositivo mediante el cual mostrarlas. Es la historia de una forma de concebir la fotografía y el cine, o más bien de como fusionarlas como un único arte. Pero “Visages, Villages” es ante todo la sincera, jovial y emotiva historia de una amistad incondicional. Tanto la que se profesan entre ambos protagonistas como la que Agnés Vardá tiene con Jean-Luc Godard. Touché.


14. 120 BATTEMENTS PAR MINUTE

Gran Premio del Jurado y Premio FIPRESCI

Si por algo se caracteriza el emergente cine de Robin Campilllo, reconocido ante todo por ser el guionista de “La Clase”, es por la capacidad que tiene para diseccionar en profundidad las dinámicas de grupo bajo el manto de un contexto social y político, tal y como ya demostrara con la aclamada Palma de oro. Primero fue su debut, “La resurrección de los muertos” (2004), una atípica película de zombis en la que se planteaba qué pasaría si los fallecidos de los últimos diez años retornasen a la vida, y de cómo reaccionarían las autoridades y la población ante este hecho. Luego llegarían sus “Eastern Boys” (2013), película que tal y como bien nos sugiere su título, estaba protagonizada por una banda callejera de jóvenes muchachos del Este en Francia que, azotados por el olvido y la pobreza en la que se ven sumidos, les lleva al extremo de delinquir y prostituirse, abriendo así un debate ético y polémico acerca de complejos temas como la inmigración, la prostitución infantil o la homosexualidad en nuestro país vecino. Pues bien, ahora es turno de “120 battements par minute”, una obra sólida y necesaria que partiendo de un grupo de activistas que luchan contra la exclusión que en los años 90 (y también hoy día) sufrían los enfermos de SIDA, abre un debate necesario sobre un tema olvidado cuyos peligros sin embargo, siguen vigentes y amenazantes, siendo en este caso los laboratorios farmacéuticos quienes están en el punto de mira. Con todo ello, hablamos de una película poderosamente rodada y de notable fuerza narrativa que, con envidiable ojo clínico, sumerge al espectador en los mecanismos por los que se rige su lucha, pero también la relación entre los diferentes miembros del grupo activista. Un enfrentamiento visceral y paradojicamente vital, ya que varios de ellos lo abordan desde su último aliento. A partes iguales hermosa historia de amor, narración de una lucha estoica y drama conmovedor con profundo trasfondo social, “120 battements par minute” nos obliga a posicionarnos ante dualidades y complejas ideologías morales que se suceden día a día no solo en Francia, también a lo largo y ancho del mundo entero.


15. HAPPY END

Sección Oficial

“Happy End” ha sido inmejorablemente definida por su propio padre y autor como “una imagen congelada, un retrato de familia y todo lo que ello implica”. Y claro, tratándose de Michael Haneke, uno se puede imaginar a que atenerse. En efecto, hablamos del austero y descarnado retrato de una sociedad, la nuestra, deshumanizada y desalmada o mejor dicho, de su parabólico reflejo en forma de una familia elitista de alta burguesía entre cuyos miembros apenas se atisba un mínimo de sensibilidad o empatía. Una familia embelesada de su lustroso patrimonio cuya opulencia no solo les impermeabiliza del catastrófico drama que asola al mundo en la actualidad, sino que básicamente les condena a la más autodestructiva apatía, a la infelicidad más supurante y la indiferencia más quebrada. El sentimiento devorado, el amor difuminado. El fin de una estirpe, pero ante todo el ocaso de una era. La decadencia de una sociedad cuyo esplendor definitivamente se funde, de una funesta riqueza que inevitablemente se pudre. Ellos son la punta de un iceberg, también responsables en gran parte, de la miseria que a sus cimientos sacude. Con todo ello, probablemente estemos ante aquella obra que mejor condensa y aglutina la provocativa y cáustica filmografía del director austríaco. Y es que no por casualidad, menos aún por gratuidad, en ella encontramos inequívocas referencias a “El vídeo de Benny” (en su atenazante primera secuencia), a “Caché” (la ‘amenaza’ de la inmigración está presente) o incluso “Amour” (en un guiño explícito que el personaje interpretado por Jean-Luis Trintignant dedica a su desaparecida Emanuelle Riva). Redonda sí, aunque más bien, necesariamente cuadrada.


16. A GENTLE CREATURE

Sección Oficial

Como si un menage a trois entre Aleksei BalabanovEmir Kusturica y el Matteo Garrone de “Reality” dirigieran una suerte de “Qué Difícil es ser un Dios”, “A Gentle Creature” ha levantado ampollas entre la crítica desplazada en Cannes, probablemente por su excesivo regodeo en lo mísero y grotesco, por el profundo y desmedido odio que emana hacia una Rusia extremadamente corrompida y putrefacta. Y es que la tercera ficción de Sergei Loznitsa no es una obra concebida precisamente para el disfrute y deleite, aunque si una propuesta de una apabullante contundencia discursiva que bien merece ser reivindicada. Su ‘gentil criatura’ a merced de una Rusia lacerantemente imperialista que a lo largo del último medio siglo no ha dejado de ser la misma. Miedo que da. Un viaje sórdidamente barroco sembrado de violencia y martirio; la historia de una batalla absurda contra una fortaleza impenetrable, reflejada en las diferentes situaciones y experiencias, a cada cual más miserable y degradante, que viven y relatan la cartografía de estrafalarias almas errantes que nuestra impertérrita protagonista se va encontrando a través de su descarnada epopeya. Suerte de surrealista crónica de sucesos (que, sin embargo, todos son basados en hechos reales) a cada cual más desolador y trágico, a la que bien podríamos sumar el que nuestra propia protagonista le golpea. Un contexto putrefactamente kafkiano en el que no hay leyes ni moral ni por su puesto, ética. O mejor dicho, la hay, pero al servicio y beneficio del poder gubernamental. Definitivamente, qué difícil es ser un ruso.


17. L’AMANT DOUBLE

Sección Oficial

Son múltiples las entrevistas en las que François Ozon a expresado su admiración, más bien su incondicionable obsesión, por la obra de Hitchcock, concretamente por “Vértigo”. Filia que “L’Amant Double” nos confirma, aunque más allá de inspirados guiños y secuencias memorables que directamente evocan a la icónica obra del maestro del suspense, así como “La Semilla del Diablo” de Roman Polanski (las cuales no despejo para que sean descubiertas por vuestros propios ojos), lo que principalmente encontramos en lo nuevo de Ozon son evidentes ecos hacia el cine de Brian De Palma. Tanto desde su introspección psicológica como en el desdoblamiento de identidades que la nueva película del director de “Swimming Pool” articula. Y por supuesto, es desde su ultra-estilizada propuesta formal que principalmente nos lleva a “Vestida para matar” así como a “Hermanas”, a las cuales explícitamente traslada el juego de espejos sobre el que su jocosa y enrevesada trama se embrolla e intrinca. Aunque también hay que decirlo, no debemos olvidar que la erosión de roles y personalidades es una característica recurrente en gran parte de la prolífica obra del realizador francés. Es decir, François Ozon lleva el empleo del doppelgänger a su propio terreno, y este no es otro que el juego de seducción, la manipulación o la dominación, tanto hacia sus propios personajes protagonistas como al fin y al cabo, hacia el espectador. Un enfoque inspiradamente provocativo y subvertido (de la femme fatale pasamos al homme fatale…o no) que dan pie a un deshinibido y ultraestilizado thriller erótico que nos brinda además, la que sin duda será una de las secuencias por las que recordaremos esta 70 edición del Festival de Cannes. Y ésta no es otra que la de apertura, en el que una vagina se revierte en retina. Tal cual. Una declaración de principios que nos sirve de inmejorable preámbulo a lo que se nos viene encima.


18. FROST

Quincena de los Realizadores

Tras parecer cerrar sus propios duelos personales, dando a su vez la iniciativa como actriz a su hija (junto a Katia Golubeva) en esa lección de vida que a todos los niveles supuso la magistral “Peace to Us in Our Dreams”Sharunas Bartras vuelva competir en la Quincena de Realizadores con un drama político contemporáneo que presume de un elenco internacional entre el cual encontramos a toda una Vanessa Paradis. “Frost” está protagonizada por un joven lituano y dos periodistas que se ven forzados a superar sus límites psicológicos y a forjar una estrecha relación en medio del caos de la guerra en la que actualmente se embarcan Ucrania y Rusia. O más bien, durante su inmersión en pleno corazón de la misma. Mientras todos huyen, ellos se sumergen de lleno en ella. Y lo hacen teniendo como hilo conductor profundas conversaciones que debaten acerca de la naturaleza del conflicto, el compromiso, la nación, las intenciones de las diferentes intervenciones extranjeras y sus métodos empleados. En definitiva, acerca de la condición humana y su reacción ante tan devastadora situación. Adiós a las armas no. Adiós al amor. Nueva lección. “Frost” es ante todo la obra de un pedagogo, de un filósofo y de un instructor. La obra de un cineasta de otra dimensión.


19. TESNOTA

Premio FIPRESCI Un Certain Regard

Suyo fue el Premio FIPRESCI en Un Certain Regard, suya debería haber sido la Cámara de Oro en esta nueva edición del Festival de Cannes. “Tesnota” es, para un servidor, el debut más poderoso y prometedor de cuantos he podido disfrutar. Un apabullante ejercicio de cámara al servicio de una historia de lo más personal y real. Rodada en 4:3, con el objetivo constantemente incrustado a los cuerpos y rostros de los personajes que retrata, la ópera prima de Kantemir Balagov nos llega apadrinada por los habituales productores de Aleksander Sokurov. Hablamos de una muestra sobrecogedora de realismo social, una obra mayor que tal y como su propio director ha reconocido, viene principalmente inspirada por el espíritu de los hermanos Dardenne, concretamente por el de “Rosetta”. Mimbres sugestivos y llamativos que articulan el poderoso retrato de una comunidad judía rusa encerrada en si misma, que tendrá que hacer frente al secuestro de uno de sus hijos o mejor dicho, al pago necesario que les permita liberarlo. Será la hermana la primera candidata a pagar los platos rotos mediante una boda concertada cuya inyección económica les asegura obtener el dinero necesario para liberarlo. La tradición revertida en estigma. Los supuestos lugares comunes que este punto de partida atisba adquieren un rumbo inesperado y sorprendente. Un asfixiante enfoque formal en absoluta consonancia con el claustrofóbico existencialismo sobre el que se mueve. Una obra portentosa a todos los niveles que directamente, corta el aliento. En alma y cuerpo.


20. BARBARA

Premio Especial Mejor Poesía Narrativa Un Certain Regard

El cine como un juego. Un juego de máscaras y también de espejos. “Bárbara” es un ejemplo genuino y sublime de metacine, de un gran calado melómano tanto como cinéfilo. Pero también lo es de cómo gestar un homenaje. El homenaje que precisamente Mathieu Amalric dedica a una cantante mítica y excepcional ya desaparecida, tanto como a una de las cantantes francesas en activo más carismáticas del panorama europeo. Y ambas condensadas en una misma figura que se desdobla. Es por ello que bien podríamos calificar “Bárbara” como un biopic NO al uso en su máxima exponencia. Porque de lo que básicamente trata es de la imposibilidad que tiene el director para gestarlo. Y, en medio de todo ello, un cineasta perdidamente obsesionado y absolutamente desbordado, inmerso en un metajuego que, ante todo, brilla por la capacidad que tiene para romper la cuarta pared de manera imperceptible, prácticamente transparente. Y es que son muchas las secuencias en las que uno no tiene claro si lo que ve en pantalla es la propia película que dentro de “Bárbara” se rueda, o la que está viendo desde su butaca. Porque al fin y al acabo ambas se solapan. Si Jeanne Balibar o la propia Bárbara quien está en pantalla deja de tener importancia. Bárbara pasa a ser Jeanne y Jeanne muta en Bárbara. Si a esta excepcional virtud simbiótica sumamos el arrebatador tratamiento cinematográfico sobre el que la nueva película de Amalric se plasma, sobre los múltiples formatos y texturas que presenta, el deleite acaba siendo de traca.


21. THE DAY AFTER

Sección Oficial

Hong Sang-soo continúa explorando las relaciones sentimentales, en este caso, a través de un hilarante lío de faldas, un triángulo amoroso en el que el patetismo masculino queda al descubierto para recordarnos que no hay mejor antídoto que saber reírse de uno mismo desde la más absoluta inspiración. El autoconocimiento y la autoconsciencia elevados a su máxima exponencia. En esta ocasión, “The Day After” nos llega enmarcada en nítido blanco y negro, curioso el dato teniendo en cuenta que su último film rodado en claroscuros estaba titulado seguro, no por casualidad, “The Day he Arrives” (2011). Curioso el parentesco, y es que estamos ante un nuevo clásico de Hong, por más que en este caso la deconstrucción narrativa por la que habitualmente se distingue su cine no presenta ruptura cronológica alguna. Es decir, su capacidad para erosionar toda posible lógica del tiempo narrativo, brilla en este caso por su ausencia aunque su ‘amenaza’, precedida por largos fundidos a negro, constantemente ‘atenaza’. Es decir, conscientemente juega con las expectativas de quienes estamos familiarizados con su cine y es precisamente aquí donde yace una de sus principales bazas. Inequívoca virtud a la cual bien podríamos sumar su fascinante empleo de las elipsis, así como el tono irónico que imprime con una banda sonora de grandilocuente carácter dramático que no hace más que parodiar su personaje principal. Y éste no es otro que el propio Hong, quien nos vuelve a regalar un ocurrente y genuino divertimento para confirmarse, si no lo había hecho ya, como el director en activo que mayor poderío atesora a la hora de reflejar su propia vida sentimental y personalidad en todas y cada una de sus películas partiendo de una cómica sinceridad intransferiblemente personal.


22. L’AMANT D’UN JOUR

Premio SACD Quincena de los Realizadores

El año pasado, Philippe Garrel inauguraba la Quincena de Realizadores con la maravillosa “L’ombre des femmes”, una suerte de cruce entre el primigenio Woody Allen y el magistro Hong Sang-soo que fue escrito por él mismo en colaboración, al igual que sucede en su nueva película, con Jean-Claude Carrière, Caroline Deruas y Arlette Langmann. Protagonizada en este caso por Eric Caravaca y su hija, Esther Garrel, “L’Amant d’un jour” nos cuenta la historia de un padre, profesor de universidad, y su hija de 23 años, que regresa un día a casa tras una ruptura sentimental. Y de la nueva esposa del padre, que también tiene 23 años, es su alumna y que también vive con él. Y sí, tal y como pasa con cada nueva película de Hong Sang-soo, uno ya sabe lo que le espera cuando se enfrenta al nuevo Philippe Garrel. Una empática, sincera, veraz y conmovedora historia de (des)amor que sin embargo, jamás resulta condescendiente ni menos aún, indulgente o complaciente. Es la tragicomedia de la vida contada desde una historia mínima, desde una experiencia de vida que no es otra que la suya propia y en la que los tópicos no tienen cabida alguna. Descarada y cínica pero ante todo, sensible y embaucadora. “L’Amant d’un jour” supone el inmejorable cierre para la personalísima trilogía iniciada con “La Jalousie” y continuada con “L’homme des Femmes”. Veo todo en blanco y negro.


23. LA CORDILLERA

Un Certain Regard

Es la nueva película del director responsable de las excepcionales “Paulina” y “El Estudiante”. Una producción de mucha mayor embergadura, un thriller político de una accesibilidad mucho mayor que sin embargo, tal y como sucede a lo largo de la emergente obra del argentino Santiago Mitre, deja muchas puertas abiertas en su laberíntico y elusivo discurso. “La Cordillera” es una obra que ante todo nos habla de los demonios que pueden atenazar a los nuevos líderes del pueblo, a los nuevos políticos que a pesar de distanciarse de la falta de principios que rigen el más corrupto y desalmado capitalismo, no están libres del peligro que conlleva sucumbir ante sus lucrativos beneficios. ‘Pactar con el diablo’ llevado a su extremo más lacerantemente político. Incluso para aquel quien se considera y cree noble y honesto. Y éste no es otro que Ricardo Darín en la piel del presidente argentino. Una cumbre de gobernantes latinoamericanos en una esplendorosa cordillera chilena, en donde se definen las estrategias y alianzas geopolíticas de Latinoamérica, es el culpable de desencadenarlo. Elena Anaya, Dolores Fonzi, Christian Slater y por supuesto, Estados Unidos y el Petróleo, las figuras y claves que le lleva a afrontarlo. Nadie se salva de la quema.


24. A CIAMBRA

Premio Europa Cinema Label Quincena de Realizadores

Es la definitiva consolidación de Jonás Carpignano como cineasta emergente y autor de primer orden. Tras contarnos con su anterior y aclamada “Mediterránea” la peligrosa travesía de dos amigos desde Burkina Faso hasta Italia y su lucha diaria por encontrar lugar en una Europa que no recibe al de fuera con los brazos abiertos, el director de origen italiano formado en Estados Unidos decidió quedarse en Calabria (concretamente en el asentamiento de  barrio de Gioia Tauro) para narrarnos la historia de otra comunidad marginal, la de los gitanos rumanos, desde los ojos de Pío, un niño de 14 años cuya memorable participación como secundario en “Mediterranea” le ha llevado ahora a protagonizar “A Ciambra”. Una suerte de coming of age de tintes neorrealistas que al igual que su antecesora, presenta una mezcla entre documental y ficción desde un poderío formal abrumador. Una obra imponente y de gran empaque que no solo se sumerge en los rituales, tradiciones y forma de vida de un microcosmos abocado a la delincuencia para tener su necesitada manutención y permitirse la subsistencia, sino que ante todo subraya el peso de la tradición y la familia e incide en la relación sumisa que este clan gitano tiene con la mafia calabresa (ndraghetta). Condicionante clave que lleva a nuestro joven protagonista a enfrentarse a un desolador conflicto de valores y que desemboca en una obra tremendamente carismática y sobrecogedora a todos los niveles.


25. WIND RIVER

Mejor Director Un Certain Regard

Solo por suponer el debut directorial de Taylor Sheridan merecía toda nuestra atención. Hablamos de uno de los protagonistas de “Sons of Anarchy”, pero ante todo del guionista de “Comanchería” y “Sicario“.Protagonizada por Jeremy Renner y Elizabeth Olsen, “Wind River” gira en torno a un cazador de coyotes traumatizado por la muerte de su hija que un día encuentra el cadáver de una chica en el bosque, lo que le lleva a recurrir a la ayuda de una inexperta agente del FBI para averiguar quién es el responsable. Hablamos de un debut que es a su vez una visceral e imprevisible historia criminal, también una irrebatible demostración de la contundencia que desde la concepción del guión Sheridan ha sido capaz de trasladar a su aplastante pulso con la cámara. Quizá sea en sus retazos melodramáticos que se desinfle un tanto, aún y así “Wind River” atesora las virtudes más destacables de “Comanchería” tanto como de “Sicario”. La acción más escalofriante y abrupta al servicio de un cosmos social esquinado y olvidado. En este caso, más allá del fronterizo y el profundamente texano, el de una reserva de nativos americanos. Agárrense los machos.


BONUS TRACK: JEANETTE, L’ENFANCE DE JEANNE D’ARC

Con la desbordante y despampanante “Ma Loute”, última ganadora del Giraldillo de Oro, Bruno Dumont volvió a profundizar en los recovecos más profundos y oscuros del alma humana sí, aunque en este caso desde el registro cómico más estrambótico y extremo, brindando un homenaje por todo lo alto al slapstick del cine mudo (con mención especial para el Gordo y el Flaco) y al más audaz humor absurdo. Pues bien, en este caso pasamos del slapstick al musical. Lo nuevo de Bruno Dumont es una boutarde en toda regla que tiene el simpático descaro de erosionar todo el misticismo e ilustrismo que atañe al gran mito fundacional de toda una Francia, como lo es Juana de Arco. Y lo hace desde la deconstrucción del musical más cínica y macarra, desde el registro paródico más desatado y absurdo. La cámara fija al servicio de la joven Juana de Arco pero sobre todo, de memorables secundarios que directamente nos llevan a “El Jovencito Frankenstein” o “Los Caballeros de la Mesa Cuadrada” de los Monty Python. Tan irresistible como agotadora. Sin Along pero como diría Bruno Dumont.

Fuente: filmin

Acerca del Autor

Ruben Peralta Rigaud

Ruben Peralta Rigaud

Rubén Peralta Rigaud nació en Santo Domingo en 1980. Médico de profesión, y escritor de reseñas cinematográficas, fue conductor del programa radial diario “Cineasta Radio” por tres años, colaborador de la Revista Cineasta desde el 2010 y editor/escritor del portal cocalecas.net. Dicto charlas sobre apreciación cinematográfica, jurado en el festival de Cine de Miami. Vive en Miami, Florida.

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